Belinda Carlisle

Notebook ist unfurling eine Reihe von Hommagen an Raúl Ruiz berechtigt Blinde Kuh: zusammen mit einigen bereits veröffentlichten Artikel, hier in englischer Sprache zum ersten Mal, den größten Teil einer Zusammenstellung von neuen, kürzeren Stücken von ein paar großzügige Kritiker und Ruizians am liebsten Momente aus eine riesige, unterirdische Filmografie.

Angesichts seiner immensen Erfolg mit dem Unmöglichen Proust, kann Ruiz der ideale Regisseur für Nabokov, vor allem seine urkomischen Pnin bewährt haben. Ihre Vorliebe für aufwendige Wort / Bild spielen;; ihr Grab Witzelndkeit Ruiz und Nabokov waren mit ihrer gemeinsamen Themen Erinnerung und Exil, Verzückung und Besessenheit abgestimmt. Stell dir vor, was Ruiz könnte mit dieser schwindelerregenden “Segue” am Anfang der Kapitel Vier der Pnin, in denen Victor nächtlichen Phantasie vorstellt, sein Vater als König “sitzt an einem großen Schreibtisch, dessen polierte Oberfläche Partnerstadt seiner oberen Hälfte in umgekehrter getan haben, so dass der ihm eine Art von Gericht Karte. “(mit seiner Fähigkeit zu” sehen die Farben der Schatten “im Alter von sechs, Victor würde die Galerie der übernatürlichen Kinder Ruiz beizutreten.)

Wie Nabokov Arbeit wird manchmal als eine Sammlung von Effekten (Synästhesie) und Fixierungen (lepidoptery, Schach, seine verlorene Russland) behandelt, die Kritiker häufig charakterisieren Ruiz Stil als einen Katalog von anti-illusionistische Geräte, der Handwerker Arsenal von übertriebenen Wellesian tiefen Schwerpunkt, grell Farbfilter, unmöglich POVs, barock verkantet Winkel, anamorphe Verzerrungen, und die rätselhaften “glide shots” seiner späten Filme, alle dazu dienen, losmachen Bedeutung zu destabilisieren Raum und aufzuhetzen einem Zustand der baff Unglauben. (Der ewige zuvorzukommen der unheilvolle Musik Jorge Arriagada Partituren verstärkt den Eindruck.) Aber zwei der denkwürdigsten Momente in Ruiz ‘Film aus seiner eigenwilligen Einsatz von Rack Fokus zu erweitern, eine “primitive” Form, die er jokily zeigt in Mysteries of Lisbon, Theater Beleuchtung abwechselnd Joao in den Vordergrund und ein fernes Gespräch hinter ihm. Genau das Drei-Stunden-Marke von Lissabon, in ein Rückfall in die malerische Listen der Top of the Whale and City of Pirates, einer Tasse und Untertasse auf mysteriöse Weise in der Mitte des Rahmens eintreten, und scheinen im Raum wie eine Porzellan-UFO schwebt , seine Rundheit mit einem Tondo Fries an der Decke des Madame Cliton Quartier gereimte als tief liegende Winkel zwingt uns dazu, leichtfertig nach oben schauen. Drei Jahrzehnte früheren, in Top of the Whale, entwickelte Ruiz und Henri Alekan, der legendäre Kameramann brachte er aus dem Ruhestand, einer der am meisten verblüffende Kompositionen in der Direktor das gesamte Kino von Rack-Schießen ein Monolog von der Anthropologin Frau ausgeliefert, gespielt von Willeke van Ammelrooy, durch eine Spitzengardine: eine Verschiebung Zusammenspiel von Gelege und Lautsprecher Fleisch und Textur, seltsame klangliche Trittfrequenz und ungerade visuelle Schwingung.

CITY OF PIRATES (LA VILLE DES PIRATEN, 1983)
CITY OF PIRATES

So ziemlich jedes Bild, Wirkung oder bearbeiten in City of Pirates ist ein würdiger Anwärter auf den Titel der “definitive Raul Ruiz Moment” (das könnte nur sein, warum City of Pirates ist gut, die endgültige Raul Ruiz-Film). Nehmen wir zum Beispiel den berüchtigten Kopf in den Koffer: der Stoff, aus Alpträumen, in die banalsten wie möglich präsentiert, mit einem beschwingten, muzakish cha cha von Jorge Arriagada (Kino am meisten subversive Komponist) unter die Szene irgendwo jenseits bloßer Nicht-sequitur . Oder die Doppel-Exposition am Ende oder die magische Ring oder die verschiedenen Schalter, um Farb-Tönen und Schwarz-Weiß. Noch einmal: so ziemlich jedes Bild.

Mein persönlicher Favorit kommt aus der Szene auf der Terrasse in den frühen Film. Split Dioptrien, gezwungen Perspektiven, ungerade Gegenüberstellungen von Vorder-und Hintergrund (der Kopf eines Mannes gegen eine Platte von Kopf-förmigen Beeren eingerahmt ist einer von zwei visuellen Referenzen im Film-: Wohlgemerkt, die gesamte Szene als eine Reihe von Trick Shots vorgestellt den Kopf in den Koffer zu den anderen zu surrealistischen Lieblings Giuseppe Arcimboldo).

Aber ein Trick Shot hebt sich vom Rest: eine Art von POV Schuss aus dem Inneren eines Mannes offenen Mund, mit einer Frau suchen in. Diese beunruhigende, fantasievoll, völlig verrückt Bild durch einen Schuss von der Frau Sonnenbrille spiegelt das Gesicht der gefolgt wird mit offenem Mund den Menschen.

Warum diese zwei Schüsse? Ruiz erstellt einen umfassenden Kino, wo so ziemlich alles passieren könnte, den Mund POV Schuss ist mehr oder weniger unwiderlegbare Beweis dafür. Er war auch sehr gern die Illusion, dass seine Filme Spiele, Puzzles, oder Muster, die durch Regeln, die angeschaut werden konnte regiert wurden. Die zwei Schüsse in Frage bewusst mistmatched, aber wie viel von Ruiz Werk-scheinen sie irgendeine geheimnisvolle Logik zu folgen. Sie übernehmen die (vor allem wenn Sie ein neues Ruiz sind, wie ich, als ich zum ersten Mal sah City of Pirates war), dass sie irgendeine Art von Serie darstellen; ist ein Schuss auf die Frau Nasenloch als nächstes?

Aber was folgt statt ist ein sehr langsamer auflösen, dass das Gesicht der Frau überlagert über einen Strand bei Sonnenuntergang. Das ist fast ein Mikrokosmos Ruiz Arbeit. In nur zwei Schüsse, ist ein erkennbares Muster erstellt nur bewusst sein, nonchalant gebrochen. Und wie es schien zunächst auf eine clevere Serie von Bildern verwandelt sich in etwas anderes zu sein: ein Rätsel. – Ignatiy Vishnavetsky

POINT DE fuite (1984)
Point de Fuite

Zwei Männer sitzen am Strand, mit Blick auf das Meer. Sie sprechen monotonal Englisch und diskutieren ihre Verwandten, ihre Sprachen, Träume (“Aber es ist ein Traum!” / “Aber es ist immer noch nicht wahr.”), Und ein seltsamer Mann, der schmutzige Liebesbriefe stellt in leere Bierflaschen vor warf sie in die Meer. Es ist eine einfache, unkomplizierte Sequenz-two Gründung Aufnahmen von unserem Gesprächspartner, ein Schnittmodell, um die seltsamen Brief-Mann, und schließlich eine Reihe von shot / reverse Aufnahmen, wie sie die Liebesbriefe zu diskutieren. Am Ende von allem, bekommt weder der Mensch, warum jemand wollen Liebesbriefe in leere Bierflaschen put (“Was ist die Idee?” / “Es ist eine Perversion”). Die Szene ist bezeichnend für alle, die kommen, bevor und nachdem es mit Zeichen sitzen und reden, während Bier trinken, Zigaretten rauchen und oft auch Spielkarten. Jeder Augenblick eine neue Liebe Brief von einer anderen Flasche ausgegraben, die an Land gespült hat, die Gesamtheit von denen (wie der Mann am Strand denkt) erscheinen pervers, sondern steht auch als ein faszinierendes Zeugnis der Filmemacher Prozess.

Zwischen den üppigen und helle Drei Kronen eines Sailor, City of Pirates, und Manoel, es ist neugierig (aber nicht überraschend), dass Ruiz wäre so ein kleines Bild, auf schmuddeligen schwarzen und weißen Schuss. Aber mit Point de fuite, hatte er zwei Ziele im Auge: zum Inhalt und Modus der Schöpfung zu vereinfachen und auch, wie es scheint, um herauszufinden, ob er Rainer Werner Fassbinder Rekord der meisten (70 oder so) unabhängige Kamera-Setups getan werden könnte brechen kontinuierlich ohne Wiederholungsaufnahmen. Es gibt einen Hinweis auf eine Spannung, hervorgerufen durch die leichte Binde-Thread des Kartenspiels, das Jazz-infundiert Gäste, und die isolierten Raum, aber das ist kein Film der Vorwärtsbewegung, es ist ein Film von einzelnen Momenten, von Wanderern, anstatt Forscher, und von zwei Männern auf einem Strand diskutieren Liebesbriefe in Bierflaschen. Das Ergebnis, ein erfolgreiches, ist weniger eine Erzählung und mehr von einer Führung durch Ruiz Kopf. Eine Chance, ihn zu beobachten frei assoziieren-den Fokus auf technische Geräte ermöglichen eine nahezu versteckten Kamera Gelegenheit, ein Filmemacher Obsessionen frei von der Verpackung der Bearbeitung zu beachten. – Gina Telaroli

MAMMAME (1986)
Mammame

Als Tänzer auf dem Boden liegt, flüsternd zu sich selbst, eine Tänzerin neben ihm hebt und senkt ihr linkes Bein, dann den rechten. Sie macht dann einen Halbkreis um ihn mit dem linken Fuß, dann den rechten, vor dem Anheben, dass das rechte Bein auf den Rücken und dann wiederholt die halbe Kreisbewegung um seinen Körper. Ruiz schießt das meiste, was ich in mobilen Nahaufnahme beschrieben, betonen die Bewegung des Tänzers wies Füße, die in weißen Socken bedeckt sind. Es ist nicht der ganze Körper in Bewegung, dass Ruiz Interessen in diesem Moment, er will stattdessen die Bedeutung dieser Fuß zu unterstreichen, wie es sich bewegt. (Es gibt keine Musik hier.)

Ruiz Kino ist mit Bildern und verbalen Äußerungen, die sich bieten bis zu uns als Sinnbild gefüllt, aber dieser Moment von Mammame ist eine der schönsten und eindrucksvollsten. Die Leute tanzen sehr oft in Ruiz. Aber es schwierig ist, der ein bedeutender Filmemacher, für die die Bewegung der menschlichen Figur ist langsamer denken, erschwert (Mammame ist sowohl eine Ausnahme und ein Beispiel). Das filmische Bild für Ruiz ist in der Regel eine Frage der Bindung dieses Bild in die Welt der Malerei, um das Tableau vivant, das Foto oder die Comic-Panels, wie seine menschlichen Versuchspersonen, kämpft in diesen Aufnahmen, zwischen Leben und Tod sind bereit, Schlaf und Wachsein, wenn sie nicht Gespenster, Puppen, Statuen, Puppen. In diesem Kino der gequälten Transformationen und endlosen Exil, ist Bewegung immer notwendig, auch zwanghafte manchmal. Und doch ist diese Bewegung nie ganz vollständig, auch wenn es durchaus noch nie gibt sich an Klischees Teufelskreise oder Sackgassen. “Aber jede Bewegung von einem Menschen betroffen,” wir in der Hypothese der Stolen Painting (1978) erzählt wird, “lässt eine imaginäre Spur vergleichbar mit einer Kurve.” Was ist das Tänzerin in Mammame tun, aber sie schaffen nicht einen Kreis um den Mann mit dem Fuß, sondern einfach ihre eigene Choreographie Version dieser Kurve, diese Spur oder eine Aufschrift, die so viel von Ruiz spukt?

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